L’interview de
Rose-Amélie Da Cunha,
programmatrice artistique
EN danses urbaines
Crédits photo : Julie Cherki (Rose-Amélie Da Cunha)
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Rose-Amélia Da Cunha est programmatrice artistique. Elle a développé son savoir-faire chez Pôle En Scènes et à La Villette.
Rose-Amélie nous fait découvrir les dessous de son métier et donne également des conseils pour que les danseurs puissent mener à bien des projets de création.
Rose-Amélie, peux-tu commencer par te présenter ?
« Je suis Rose-Amélie. Je travaille dans l’ombre, dans la programmation artistique, la production, la diffusion, et l’organisation d’événements. Je suis spécialisée dans les danses urbaines.
Je souhaite pouvoir mettre cette expertise au service des danseurs et des chorégraphes. Mon métier, c’est accompagner. J’aime beaucoup pouvoir voir naître cette petite flamme, aider à ce que cela puisse exploser, que les chorégraphes puissent s’épanouir professionnellement. Comment professionnaliser des parcours qui sont à la base des passions ?
Je viens plutôt d’un milieu rural. Quand j’ai fait un premier stage à la compagnie Käfig, j’ai pu découvrir tous ces danseurs et ces chorégraphes, toute cette énergie. Je m’y suis reconnue puisqu’en venant d’un milieu qui ne côtoyait pas le milieu du spectacle, je ne me sentais pas du tout légitime. J’ai trouvé une famille qui vivait la même chose que moi. Finalement, cela reste un milieu qui peut parfois sembler difficile d’accès. J’ai eu l’impression d’être de leur côté et de me battre avec eux.
J’ai trouvé une place avec les danses urbaines et avec les danseurs. Je n’ai plus eu envie de quitter cette énergie.»
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« J’ai trouvé une place avec les danses urbaines »
En tant que programmatrice, vois-tu une évolution dans le mouvement ?
« Il y a plein d’évolutions. Dans ce que j’ai perçu dans le milieu de la création et dans les battles, c’est qu’il y a une vraie reconnaissance par des grands chorégraphes qui ont ouvert des portes. Aujourd’hui, on retrouve des chorégraphes comme Mehdi Kerkouche à l’Opéra, Marion Motin qui travaille avec des compagnies à Londres, ou Mazel Freten qui, récemment, au Théâtre de la Ville, a fait une présentation professionnelle. Je trouve que ce sont des grandes reconnaissances professionnelles pour le secteur et aussi pour le milieu des battles.
En 2024, aux Jeux Olympiques, le break sera une discipline olympique. Ce n’est pas rien. Ce sont vraiment des choses qui remuent, qui font débat, mais qui sont des reconnaissances et qui vont changer des choses pour le secteur. »
Quel est le rôle d’un programmateur ?
« C’est de faire le lien entre des œuvres et un public.
Programmer des spectacles, faire des choix de spectacles qui nous semblent intéressants de proposer à des publics, à des professionnels. Nous avons aussi un rôle de repérage. Le métier de programmateur a beaucoup évolué parce que la société évolue et qu’il y a des logiques de billetterie, de remplissage de salles. Le métier de programmateur est contraint par plein de choses. Programmer des spectacles, ce n’est pas programmer des spectacles que l’on a aimé en disant « Ah tiens, j’ai bien aimé cela, on va le programmer ». Non, cela prend en compte tellement d’autres choses. »
Comment aimerais-tu que ce métier évolue ?
« J’aimerais qu’il y ait une prise en compte des artistes, et la mise en place de comité de spectateurs. Je n’avais pas eu le temps de le mettre en place à la fin de mon travail à Pôles En Scènes mais j’en avais très envie. Il y a déjà des lieux qui le font et je trouve cela formidable. Quand on peut avoir un panel de spectateurs avec des enfants, des personnes âgées, des collégiens, de leur offrir des places pour aller voir des spectacles et ensuite de débattre avec eux, c’est super. Le métier de programmateur est un métier de solitude absolue. Je me suis sentie très seule à des moments, à avoir envie d’en débattre avec des personnes. J’aime partager cela.
C’est beaucoup d’entre-soi le métier de programmateur.
En ce moment par exemple, ce que je trouve difficile est d’assister à des spectacles seulement entre programmateurs (ndlr, l’interview a été réalisée pendant le confinement). Nous sommes une centaine mais c’est dur pour les chorégraphes d’avoir un public comme cela. Ce n’est pas le public le plus démonstratif.
En plus, c’est très privilégié. Pourquoi nous ? Cela exclut d’autant plus des personnes qui, déjà, ne vont pas beaucoup voir de spectacles. Il y a des comités de programmateurs qui décident du jour au lendemain qu’un spectacle vaut le coup, ou pas. Je trouve cela dur. Il y a plein de choses à faire évoluer. »
« Comment professionnaliser des parcours qui sont à la base
des passions ? »
En tant qu’artiste, comment est-ce que l’on monte son projet ?
« Il y a toute une méthodologie de montage de projet qui existe.
À La Villette, il y a un dispositif qui s’appelle Initiatives d’Artistes en Danses Urbaines (IADU) que je coordonne, qui est assez unique en son genre et qui a été cofondé par la Fondation de France. Il permet, via un incubateur, de mettre des jeunes danseurs qui veulent devenir chorégraphes en réflexion sur leurs parcours.
Dernièrement, nous avons fait une formation avec des chorégraphes sur le montage de projets, avec Dirk Korell (quelqu’un qui a beaucoup de bouteille et qui a le bureau de production Camin Aktion). Il a accompagné des compagnies comme Wang Ramirez.
Dirk travaille également avec Storm depuis de très nombreuses années. Donc il connaît le secteur. C’est important de mettre en relation ces personnes avec des jeunes chorégraphes. Il faut avoir une méthodologie de montage de projet. Soit on sait le faire, soit on essaie de trouver des personnes pour nous accompagner.
La Fabrique de la Danse a également un incubateur. Les incubateurs structurent. On se rend compte que l’on n’ est pas tout seul à se poser ces questions.
C’est très important de mettre toutes ces personnes en contact. Et en plus, ils ont envie de le faire. Ils ont envie de transmettre ce par quoi ils sont passés pour que cela serve à d’autres. L’idée est d’accompagner au maximum ce type d’initiatives.»
As-tu des conseils à donner pour construire un bon réseau. Quelles sont les bonnes pratiques ?
« Le réseau doit être pensé comme une sorte de caillou que l’on jette et qui fait des rivières. On va avoir un petit réseau au tout départ puis cela va être beaucoup de rencontres. Ce que je conseille souvent est de fréquenter un maximum les lieux, de prendre le temps d’aller voir des spectacles où l’on peut rencontrer des programmateurs, accompagnateurs, médiateurs, professionnels. Après un certain temps, ils vous voient, ils vous connaissent. Il y a toujours quelqu’un qui va finir par vous présenter quelqu’un. C’est beaucoup de relationnels. Et c’est un premier maillon du réseau.
Au début, c’est très chronophage mais une fois que l’on a ce petit réseau de personnes, on les invite, on leur demande conseil, on les implique. On les tient au courant en permanence dès qu’il y a quelque chose. Même si la personne ne répond pas, elle a vu.
Et on continue. C’est pour cela que je trouve les incubateurs importants. Être seul face à ce travail, c’est fatigant. On a souvent envie d’abandonner parce que l’on se dit que cela ne sert à rien. Et puis un jour, cela prend et cela peut aller très vite. »
Quel est ton combat personnel ?
« Le droit des artistes. Les artistes ne sont pas assez informés de leurs droits.
Lorsque l’on est dans une école, on apprend ces choses mais quand on a des parcours qui ne sont pas académiques, où est-ce que l’on apprend cela ? Comment se renseigner ?
Le CND est un lieu ressources qui est fait pour vous. Il faut se renseigner. Comment faire pour que les artistes connaissent vraiment les lieux ressources ?
Connaître ses droits, c’est acquérir une certaine autonomie. Faire respecter les droits, c’est important. »
Ses derniers spectacles
- Optraken de la compagnie Galactik Ensemble
- NÄSS de Fouad Boussouf, Compagnie Massala.
Elle souhaiterait entendre dans tous danseurs
- Romuald Brizolier du RAF Crew, fondateur d’ Art Track et de l’événement Hip Hop Games à Lille.
Pour écouter l’interview dans Tous Danseurs. - Marion Motin
Pour écouter l’interview dans Tous Danseurs
Extraits du podcast EP. 66. Propos recueillis par Dorothée de Cabissole
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Dorothée de CabisSole
Dorothée est la fondatrice du podcast Tous Danseurs.
Après une première vie professionnelle bien remplie, elle a décidé de mettre son énergie et ses savoir-faire au service de la danse.
Vivre ses rêves et être en mouvement.
Le beau, la culture, les arts vivants sont essentiels. Nous avons tous un rôle à jouer.
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